Der amerikanische Künstler Philip Simmons investigiert die Beziehung zwischen Wirtschaft und High Culture auf unterschiedlichen medialen Ebenen.
Simmons bildet mittels eines industriellen und zur seriellen Massenproduktion geeigneten Prozesses - der Vakuumformung - Objekte, die rein ästhetisch und traditionell - bildnerischen motiviert sein könnten. Simmons lässt diese Kunstgegenstände jedoch in einen verkürzten und ironisierend formalen Referenzbereich treten, in dem keine Assoziation zu einer stimmigen Zuweisung werden kann:
Die Plastiken werden in einen rein kommerziellen Kontext implantiert. Dies geschieht zum einen real und wird dann vom Künstler fotographisch dokumentiert zum anderen werden die Plastiken digital in dem Raum integriert oder die beiden Vorgehensweisen werden kombiniert. Im Ergebnis sind die Plastiken Bestandteil von reinen Werbearrangements und aktivieren nun als künstlich implantierter Fremdkörper Wahrnehmung und Begreifen des Betrachters.
Der kritische und konzeptuelle Ansatz seiner Arbeit wird in doppelter Hinsicht deutlich. Zum einen ist seinen vakuum-gepressten Objekten eine ironische Kritik immanent, die aus der thematisierten und formulierten ambivalenten Erscheinung der Objekte - zum einen Kunstobjekt und zum anderen Konsumobjekt zu sein - erwächst.
In einem zweiten medialen Schritt werden die bereits per se ambivalenten Objekte in einen streng kommerziellen Kontext platziert, dessen Entwurf genaustes auf bestimmte Zielgruppen und deren potentiellen Verlangen ausgerichtet ist, so dass dieser die wahre Identität der Plastiken und ihren eigentlichen Kunstwert erneut verklärt, da diese die eigentliche, kommerzielle Absicht der perfekt inszenierten Warenausstellungen aufnehmen und gleichzeitig aber mit vorhandenen Luxusgütern bzw. Designobjekten wetteifern.
Die großformatigen Fotographien des Künstlers spiegeln die vielschichtige Ambivalenz von Kommerz und Kunst in unterschiedlichen kulturellen Settings. In einem amerikanischen Schlafzimmer, das durch strenge Symmetrie und schattenlose Inszenierung jeden Gegenstand sichtbar macht und durch ein Palmenblatt gerade genügend Diskretion und Unregelmäßigkeit schafft, wird einem Deutschen Setting des Berliner Nobel Einrichtungshauses Stilwerke gegenübergestellt, in dem Hightech, Funktionalität und Ästhetik zelebriert werden. Die Simmon'schen Plastiken finden sich wie Kuckuckskinder in der realen Ausstellungssituation erneut wieder und setzen hier das Spiel der Kritik des Begehrens fort.
Philip Simmons (Jg.68) wird gleichzeitig mit seiner ersten Soloshow in Deutschland seinen Meisterschülerabschluss and der Kunsthochschule in Hannover machen. Selbst als traditioneller Bildhauer ausgebildet, in ständiger Auseinandersetzung mit der Diskussion um die Werte der Moderne und Postmoderne, sieht er sich beeinflusst durch Künstler wie Louise Lawler, Allen McCollum and Jeff Koons.
Statement of the artist Philip Simmons
These works are part of an investigation of the relationship between economics and high culture. The expansion of the sphere of economics into all areas of international culture has accelerated in what has been termed the postmodern period. The enormously sophisticated tools employed in advertising and marketing have aided in the fluidity of capital and comodities -of which art is one- around the world.
The techniques used by advertisers to create desire, and therefore a market, have been dealt with by a number of contemporary artists, as have the connections between art and other luxury goods. Having worked on the edges of the advertising field as a temporary graphic worker, I became more aware of the power, intrinsic strangeness, and artificiality of the images conjured in product advertisements.
The critical content in this work occurs in two ways. First there is the critique inherent in the objects, which examine the grey area between art objects and consumer products. Secondly, when these conceptually loaded objects are contextualized, their split function (art/product) becomes unified as they begin to act as critical tools, raising questions about aesthetics and the function of art in a social environment.
In the first stage of this exploration, I began to create objects that combined the languages of Modernist art and product design, seeking to explore the ambiguity between them. The objects are made with a vacuum press, an industrial process ideal for the mass production of consumer goods. The subject matter, when not explicit, is at least vaguely familiar, referencing other objects, products, and luxury goods. The objects are also expressive of inner thoughts and desires, in the way that many traditional art objects function. By mixing the languages and content of fine art and product design, I seek to raise questions in the modernist tradition, about the intrinsic properties of objects, and how these properties influence their function as art.
The second stage of the investigation involves digitally installing the objects into the kinds of consumer environments created by sales and marketing teams. The surroundings in which the objects are contextualized have been carefully created to trigger the desires of the purchasing public at which they are aimed. In the specifically American interiors I have used so far, the reproduction antique furniture, the matching colors, and formulaic designs, target an audience longing for family stability, tradition, upper middle class respectability, and less overtly, the security of bland conformity. Inserting my art objects into these settings creates a multi-level critique.
However, this critique operates in both directions at the same time. Do my objects fit in, as simply another luxury good displayed to connote status, or do they stand out in opposition to the carefully neutral interiors. Are the objects acting subversively, co-opting the intentions of the advertisers, or are they themselves used to enhance their surroundings? At this level, postmodernist issues are raised about the relationship between the art objects and the environments in which they are viewed, bought and sold.
The work invokes the essential contradiction of modernism, which sought to repudiate the bourgeois notions of art of the 19th century, but was itself embraced by the bourgeoisie of the 20th century, describing a symbiotic relationship with money. The critical distance which modernist art traditonally sought to maintain between itself and mass culture has been eliminated in the postmodern critique, essentially "flattening" the conceptual space in which the art exists. In the advertising space of these images, the shadowless interiors in which everything is visible (and therefore purchaseable) reflect this idea. If the work were to be bought and placed in an affluent domestic environment, the critical content in the work would be reversed on itself, essentially creating a critical loop, in which what is being criticized and what is being co-opted, would cycle endlessly between the art and its environment.